В театральной жизни Петербурга история появления новых режиссёрских имён выходит за пределы классической драматургии больших сцен. Сегодня молодые постановщики «поднимаются» на множестве площадок, которые развиваются параллельно с репертуарными театрами. Здесь, в атмосфере поисков, экспериментов и диалога с разнообразной аудиторией, новый режиссёрский голос рождается прежде, чем он прозвучит на академической сцене. Подробнее — в материале spb.aif.ru.
Так же сложно, как и раньше
Петербург по праву считается городом театральных традиций. Но путь молодых режиссёров на репертуарные сцены продолжает оставаться непростым, а для успешного старта важны личная готовность и профессиональная школа. Народный артист России, лауреат Премии Правительства России, художественный руководитель Молодёжного театра на Фонтанке Семён Спивак считает, что на старте важнее всего талант и способность говорить со зрителем о том, что волнует именно тебя.
«Если человек талантлив, если он понимает, что должен говорить со зрителями только о том, что его волнует, если готов работать над спектаклем и над собой, если он с пониманием относится к театральному процессу, незамеченным он не останется», — говорит он.
Спивак подчёркивает, что путь к признанию остаётся таким же сложным, как и десять или двадцать лет назад. В этом процессе решающее значение имеют наставники и опыт, полученный на разных этапах профессионального становления.
Семён Яковлевич вспоминает свой собственный творческий путь. До окончания театрального института он учился в Ленинградском инженерно-экономическом институте, но нашёл себя в Выборгском дворце культуры. Там он впервые столкнулся с живым театром и профессиональной средой — театр-клуб «Суббота» набирал участников, и Спивак оказался среди них. Под руководством критиков Марка Любомудрова и Юрия Смирнова-Несвицкого он учился работать с актёрами и текстом.
«Днями я продолжал одолевать „химическую“ экономику, а вечерами отводил душу среди „своих“. Именно в „Субботе“ я отжил все положенные юношеству уроки, именно там повзрослел», — рассказывает народный артист.
На третьем курсе института Семён Яковлевич поставил свой первый спектакль — «Старая Верона» по шекспировской пьесе «Ромео и Джульетта». По словам режиссёра, выражение присущих молодости эмоций и внутренних конфликтов сформировало авангардную манеру постановки. Со временем Спивак пришёл к выводу, что многие петербургские авангардные работы рождаются не от искреннего поискового процесса, а из недопонимания сути актёрского мастерства и желания режиссёра решать собственные психологические проблемы через сцену.
«Играть надо точно»
Становление молодого режиссёра, по словам Спивака, требует хорошего понимания не только своей профессии, но и профессий всех участников процесса. В студенчестве он играл в учебных постановках на курсах и мастерских у Петрова, Товстоногова, Владимирова, чтобы освоить опыт актёрского переживания.
«Никогда нельзя стать режиссёром, не умея проживать роль. Как можно делать замечания артисту, как можно его вести, если не понимаешь, что проживание даёт точность — главное в его профессии?» — говорит он.
Цитируя Станиславского, прославлённый режиссёр добавляет: «Не надо играть хорошо. Не надо играть плохо. Надо играть точно». Это, как считает он, освобождает и заставляет творить.
Сегодня, уверен Спивак, начинающие режиссёры сталкиваются с теми же трудностями, что и десятилетия назад. Чтобы их преодолеть, очень важны внутренняя работа над собой, способность слышать и понимать актёра, объединять личный опыт с художественным высказыванием — это общие проблемы для всех молодых постановщиков. При этом современный театр ищет живое чувство сцены и глубокое понимание зрителя.
«Сегодня большинство спектаклей умные, а не живые. В искусстве надо чувствовать. По обе стороны рампы», — объясняет Спивак.
И молодым постановщикам остаётся понять эту простую, но фундаментальную истину, формируя живой театр, который умеет говорить со зрителем.
Площадка для новых голосов
Сегодня Петербург — город больших возможностей для режиссёрского роста. Малые независимые сцены становятся регулярными площадками для читок, пробных постановок и вечерних чтений, где режиссёры демонстрируют свои идеи коллегам и критикам, а также получают профессиональный отклик, который может привести к новым проектам.
Малые театры Северной столицы становятся пространством для новых художественных голосов. Например, театр «ЦЕХЪ» — коллектив, выросший из Санкт-Петербургской театральной академии, — регулярно показывает спектакли молодых режиссёров и экспериментальные постановки, объединяя разные виды сценического искусства и расширяя представления о театральном искусстве.
Условия для работы молодых постановщиков, разумеется, создают и профессиональные театры. Так, в 2025 году Александринский театр запустил проект «Год молодой режиссуры», включающий лабораторию «Театр вне театра», где режиссёры разрабатывают идеи спектаклей для нетрадиционных пространств в рамках официальной программы фестиваля.
Студенческие и лабораторные постановки находят своё место и в рамках международного фестиваля «Балтийский дом». В прошлом году на сцене независимого театра «ЦЕХЪ» была показана постановка «Я — Гамлет. Ошибка» по материалам мастерской Олега Кудряшова из ГИТИС, где студенты представили свой взгляд на классическую трагедию. Этот спектакль стал примером того, как лабораторные и студенческие работы могут выйти на профессиональную сцену и привлечь внимание зрителей и критиков.
Такие площадки и фестивали формируют мост между большой и малой сценами, создавая возможности для молодых постановщиков продемонстрировать авторский язык и развить профессиональные навыки.
Слышать и слушать
Что ищут сегодня театры в новом поколении постановщиков? Худрук театра на Фонтанке не раз говорил о необходимости живого контакта со сценой и зрителем.
«Сегодня большинство спектаклей умные, а не живые», — отмечает Семён Спивак, подчёркивая, что режиссура не может сводиться к интеллектуальной конструкции, если в ней нет внутренней энергии сцены и внимания к залу. Режиссёр должен уметь работать с актёром, слышать его интонацию и понимать природу сценического существования. В этом Семён Яковлевич опирается на школу Льва Додина — художественного руководителя Малого драматического театра — Театра Европы.
«Артист должен думать до и после выхода на сцену. Во время спектакля, на сцене, он думать не должен, чтобы работала его природа», — уверен он. И такой подход в профессиональной среде рассматривается как основа психологического театра.
Петербургская театральная школа по-прежнему сохраняет эту традицию. Молодые постановщики проходят лаборатории, участвуют в фестивальных программах, работают ассистентами в крупных труппах. Для них важна способность выстроить со зрителем диалог. Недаром в профессиональной среде говорят о «слушающем театре» — когда режиссёр учитывает реакцию зала, паузу, темпоритм, внутреннее напряжение сцены.
Именно в этой внимательной работе формируется тот тип режиссуры, который продолжает линию петербургской школы. Он требует дисциплины и ремесла, однако в итоге позволяет спектаклю выходить за рамки сценической площадки и становиться частью культурной жизни города.
Подписывайтесь на АиФ в  MAX
|
